Slipstream
Solo Show
Fondazione Natale Capellaro

25th October 2025

Organised by the Natale Capellaro Foundation, “Slipstream” is the first retrospective dedicated to Alessandro Vasapolli, tracing over a decade of artistic research at the intersection of art, science, and perception.
The exhibition is supported by the Italian Ministry of Culture, the City of Ivrea, and Ivrea Città Industriale del XX Secolo, and is held under the patronage of the Piedmont Region, the Metropolitan City of Turin, and the Chamber of Commerce of Turin.

Hosted at the Laboratorio-Museo Tecnologicamente – L’Innovazione Olivetti in Ivrea, the exhibition marks the museum’s twentieth anniversary and celebrates its commitment to dialogue between industrial innovation and contemporary artistic experimentation. Curated by Carola Allemandi, the project presents twenty large-scale photographic works that together outline a coherent trajectory of formal and conceptual exploration.

The title Slipstream — meaning “wake” or “trace” — evokes the invisible currents that follow movement through space and time. In Vasapolli’s work, these traces become metaphors for perception itself: elusive, mutable, and perpetually shifting. Through a selection of twenty-one large-scale photographic works from three major cycles — Early Works (pre-2017), DéVoilées (2014–16), and Dance Notes (2019–21) — the exhibition unfolds as a reflection on the instability of vision and the distance between the visible and the real.

Vasapolli’s practice, defined as illusory realism, reconsiders the photographic act as an experimental field rather than a representational tool. Through the design of bespoke optical devices, chromatic algorithms, and mechanical systems, the artist builds images directly in-camera, without post-production, where perception itself becomes both method and subject. Light, color, and movement operate as autonomous agents — not to describe reality, but to question its very legibility.

Within the exhibition, the viewer follows a gradual dissolution of form: from the early chromatic dissonances and evasive figures of Early Works, to the veiled presences of DéVoilées, suspended between vision and concealment, and finally to Dance Notes, where the body disappears into motion, leaving only the trace of its own duration. In this progression, visibility becomes a measure of time — what remains when the subject has already vanished.

By situating Vasapolli’s work within the broader legacy of Olivetti’s innovation, Slipstream extends a reflection on the human desire to measure, comprehend, and transcend perception itself. It positions artistic experimentation as both a scientific inquiry and a philosophical act — an attempt to capture not what the world is, but how it becomes visible to us.

Slipstream

by Carola Allemandi

If one pays attention, dancers never look us in the eyes: the body moving through space at that moment never truly knows who it is facing. One might say that the dancer moves in a constant state of flight, though directed toward no destination, summarized in a continual act of withdrawal — a fundamental indifference toward the spectator. We will never be the goal of that step; this much is certain.

On the occasion of the exhibition Slipstream, the first retrospective dedicated to the artist Alessandro Vasapolli (Turin, 1988), held at the Laboratorio-Museo Tecnologicamente and promoted by the Natale Capellaro Foundation in Ivrea, the artist’s research is interpreted through the recurring junctions that have accompanied his practice since its inception.

Always drawn to the perceptual ambiguity of reality — to that degree of uncertainty we usually overlook in order to maintain a coherent and repeatable vision of the world — Vasapolli challenges the eye, and therefore the mind, to move within different coordinates. Reality slips away: it is a denied face, a body that, while dancing, can never be reached.

This discourse began before 2017, with Early Works, two of which are presented here, already conceiving the subject of the image as a metaphor for gestures that would evolve in later works. “The other” becomes a movement the viewer can only follow with the eyes, absorbing its reflection, already knowing that what is seen will have no other story beyond the one generated within the image.

The exhibition traces the development of this central thread: Serpentina, from the early works, seems a prelude to the turned backs that reappear in the following cycle, DéVoilées (2014–16). Solitary figures once again, still refusing our gaze: in the faded colors of memory, veiled by draperies that are more metaphorical than scenographic, these figures act from behind, sheltered by the transparencies that conceal them. The artist’s imaginary takes shape within a coherent structure — what is sought is not the subject’s gaze, thereby departing, with a quick motion, from photography’s longest-standing tradition, but rather the continuous movement of perception itself, forever slipping out of reach.

The colors we see are almost never those of reality — slightly shifted from their referent, or entirely transformed. Vasapolli reconstructs the chromatic structure of his scenes through the creation of technical apparatuses and the programming of specific algorithms that divert the presumed precision of the photographic device. In this sense, the artist’s formal research can be understood as a pure field of experimentation and theoretical reflection: photography serves only to reaffirm how fragile and uncertain the ground truly is upon which our perception moves and attempts to orient itself. Even the backgrounds, painted by the artist himself, are designed to redirect the camera’s response to color. After all, in François Arago’s 1839 speech announcing the invention of the daguerreotype, it was described as capable of reproducing “the drawing of nature” — that is, the form that every eye decides the world should have.

Vasapolli seems to perceive in this very notion the starting point from which to question, in a single gesture, both the world and all things within it.

Dance Notes (2019–21) is the artist’s most recent body of work, developed over more than three years. In the final rooms of the exhibition, the dense thematic core of this project unfolds, grounded in movement, space, and time.

The reference to the chapters Dynamics, Movement, and Impetus in the penultimate room prepares the ground for the final act: the subjects — now true dancers — move restlessly within their gestures, eluding grasp. It is within the flow of time that movement takes form; this becomes evident as earlier images resolve into what we now see. Even fragmented, the gesture takes place within the same image, where multiple moments coexist on a single plane. The logic of our dimension unravels in the layered evidence of photography — and Vasapolli offers the proof.

Yet if these subjects refuse direct contact with us, losing their traces until final dissolution, it does not mean they are destined for nothingness, for the definitive disappearance of the self. The final room hosts an homage to time — Time — the concluding chapter of Dance Notes. The dark trails seen on a green background contain the invisible body of those who created them, covered at the moment of exposure by luminous points later inverted into dark traces, according to Vasapolli’s unique mathematical and scientific approach to the photographic medium. Here, the human subject — vanished entirely from sight — nevertheless continues to exist, becoming traceable only through the time it has consumed before the lens.

To say that reality is a doubt is to recall a kind of relativism on which we might all, to some extent, agree; but to say that reality is a turned subject, a dancer in motion, an entity unreachable even by the very instruments built for its analytical study — that is something else. One can only surrender and be carried along, the artist seems to suggest, following the discourse of color while knowing it will lead us only to other chimeras.

Vasapolli speaks of color before he speaks of light; for this reason, his work stands in antithesis to a certain conception of photography as the pure reading of luminosity. By questioning the reliability of color, he renders the very nature of light even more complex. This can only suggest that the matter absorbing it — generating the visible world — possesses far more facets than we can ever truly perceive. And yet we already know that none of them will ever be turned toward us.

Slipstream

di Carola Allemandi

Se ci si fa caso, chi danza non ci guarda mai negli occhi: il corpo che in quel momento si muove nello spazio non sa mai davvero a chi è di fronte. Si può dire che il danzatore si muova in una fuga costante, sebbene diretta verso nessun luogo, riassunta nel suo continuo negarsi, nell’indifferenza sostanziale verso il proprio spettatore. Non saremo mai le mete del suo passo, è un fatto certo.

In occasione della mostra Slipstream (dall’inglese: “scia”, “traccia”), prima antologica dedicata all’artista Alessandro Vasapolli (Torino, 1988), allestita presso il Laboratorio-Museo Tecnologicamente e promossa dalla Fondazione Natale Capellaro di Ivrea, il percorso di ricerca di Vasapolli viene letto seguendo quegli snodi che a più riprese ricorrono fin dai lavori degli esordi.

Da sempre attratto dall’ambiguità percettiva del reale, da quel grado di incertezza cui solitamente non badiamo per poter avere una visione coerente e ripetibile del mondo, Vasapolli sfida l’occhio, e dunque il pensiero, a muoversi in coordinate diverse. La realtà sfugge: è un volto negato, un corpo che, danzando, non si fa raggiungere.

Il discorso è iniziato prima del 2017, negli Early Works di cui vediamo due opere selezionate e che già paiono concepire il soggetto dell’immagine come metafora dei gesti che evolveranno nei lavori successivi: “l’altro” è un movimento che lo spettatore non può che seguire con lo sguardo, assorbirne il riflesso, già sapendo che ciò che vede non avrà altra storia oltre a quella generata nell’immagine.

Così il percorso di mostra ci mette di fronte allo sviluppo di questo nodo principale; la Serpentina dei primi lavori pare il preludio delle schiene che pure vediamo nel ciclo successivo, DéVoilées (2014-16). Ancora soggetti soli, e che ancora non ci guardano: nei colori più spenti del ricordo, e velate da panneggi quasi più metaforici che scenografici, di spalle le figure compiono i propri gesti al riparo delle trasparenze che le coprono. Vediamo l’immaginario di Vasapolli articolarsi in una struttura coerente: non è il proprio sguardo che l’artista cerca – scostandosi così, con un rapido gesto, dalla più longeva tradizione fotografica, suo mezzo espressivo d’elezione – bensì il costante muoversi della percezione di una realtà che continuerà a scapparci di mano.

Nel senso che i colori che vediamo non sono quasi mai quelli reali, scostati appena dal proprio referente, o del tutto cambiati. Vasapolli reinventa l’assetto cromatico delle sue scene grazie alla produzione di apparati tecnici e alla scrittura di specifici algoritmi che sviano la presunta precisione della macchina fotografica. In questo senso la ricerca formale dell’artista può essere intesa come puro campo di sperimentazione e riflessione teorica: la fotografia non serve che a ribadire quanto farraginoso sia il piano su cui si muove e pensa di orientarsi la nostra percezione. Anche gli sfondi, dipinti dallo stesso autore, servono a dirottare la risposta della macchina al colore. D’altronde, nel momento stesso del discorso pronunciato da François Arago sull’invenzione del dagherrotipo, nel 1839, esso venne definito capace di riprodurre il disegno della natura – ovvero la forma che ogni occhio decide di avere del mondo.

Vasapolli pare intravedere in questo semplice nodo il punto di partenza per mettere in discussione, in un colpo solo, sia il mondo che tutte le cose.

Dance Notes (2019-21) è appunto il ciclo di lavori più recente di Vasapolli, sviluppato nell’arco di oltre tre anni. Nelle ultime due sale della mostra trova spazio il denso nucleo tematico sviluppato dall’artista che vede nel movimento, nello spazio e nel tempo i propri cardini.

L’accenno ai capitoli Dynamics, Movement e Impetus della penultima sala crea il terreno per l’atto finale: ancora i soggetti, diventati ora veri e propri danzatori, si agitano dentro i gesti che compiono facendosi imprendibili. È nel flusso del tempo che il movimento può prendere forma, lo capiamo chiaramente ed è a questo punto che le immagini anteriori si risolvono in ciò che ora vediamo; anche frammentato, il gesto può avere luogo dentro la stessa immagine e più tempi, quindi, possono convivere sullo stesso piano. La logica della nostra dimensione si sfalda nell’evidenza stratificata della fotografia: Vasapolli ne offre la prova.

Ma se i soggetti rifuggono un reale contatto con noi, facendo perdere le proprie tracce fino alla dissoluzione finale, non significa che siano votati al nulla, ovvero alla sparizione definitiva di sé stessi. Nell’ultima sala è allestito l’omaggio che l’artista ha dedicato al tempo – Time – ultimo capitolo di Dance Notes. Quelle scie scure che vediamo su uno sfondo verde contengono il corpo invisibile di chi le ha create, coperto al momento dello scatto da punti luminosi e poi trasformati in tracce buie, secondo lo speciale approccio matematico-scientifico di Vasapolli al mezzo fotografico. Qui il soggetto umano, scomparso definitivamente alla vista, non solo esiste comunque, ma diventa rintracciabile solo dal tempo che ha consumato di fronte all’obiettivo.

Dire che la realtà è un dubbio significa rifarsi a quel relativismo su cui in diverse misure tutti possiamo concordare; altra cosa è dire che la realtà è un soggetto voltato, una ballerina in movimento, un’entità irraggiungibile anche con gli strumenti prodotti per il suo studio analitico. L’uomo non può che arrendersi e farsi trascinare, sembra suggerire Vasapolli, e seguire il discorso dei colori sapendo che ci porteranno all’incontro soltanto con altre chimere.

Vasapolli parla del colore, prima ancora che della luce; anche per questa ragione si trova collocato in un punto antitetico a una certa concezione della fotografia che ne farebbe la principale lettrice della luminosità. Così, mettendo in discussione l’attendibilità del colore, stiamo rendendo ancora più complessa la natura stessa della luce. Questo può solo dire che anche la materia che la assorbe generando il mondo visibile ha molte più facce di quanto possiamo essere davvero consapevoli. Ma già sappiamo che nessuna sarà mai rivolta verso di noi.